Сибирские панк-нескладёхи: neznak ъ — Близнецы (Россия, Новосибирск)

Не так давно появившаяся группа neznak ъ интересна уже локацией, из которой они вышли. Есть на просторах нашей Необъятной такое местечко, которое называется Новосибирский Академгородок — эдакое спрятанное в лесу сосредоточение научных институтов и всевозможных IT-компаний. Место со всех сторон совершенно замечательное: тихое, населённое исключительно интеллигентными людьми и потому совершенно не располагающее для творчества, несмотря на полчища проживающей там креативной молодежи. Потому что в Академе никто никуда не спешит, никто не пытается просто так изобретать велосипеды, ведь велосипеды изобретаются в соответствующих НИИ. И поэтому появление там группы, которая пробует и делает что-то интересное — явление весьма редкое для научного центра Сибири.

При этом neznak ъ, состоящие из двух человек — Зара и Дари, работают в самом ожидаемом для Сибири направлении: это пост-панк, построенный на славянских мотивах. То есть стиль, который нам завещали Егор Летов и Янка Дягилева, и который до сих пор доит каждая даже не вторая, а первая сибирская группа. Но песни neznak ъ — это не пресловутая “новая сибирская волна” типа групп Ploho, Сруб или Буерак. Их музыка — в своей основе не гитарная, в ней нет никакой русской хтони, она тихая и минималистичная.

В основе их дебютного лонгплея лежат образы, которые Дарь видела во снах: тонущий автобус, два дышащих водой и мучающих Дарь мифологических демона-близнеца. Почти все вокальные партии neznak ъ строят на славянских напевах с лирикой, отсылающей соответственно к русскому песенному фольклору. Именно “отсылающей” — они не используют сами эти традиции или ритуалы, а применяют только воспоминания о них. Примерно так же недавно выстраивали свою музыку Хадн дадн, а ранее — Егор и Опизденевшие. То есть, neznak ъ не занимаются исследованиями традиций, как работающие в этом поле Theodor Bastard, Moon Far Away или Шесть Мёртвых Болгаръ. Дуэт из Академгородка использует этот язык как наиболее удобный для выбранной образности и легко вызывающий у слушателя необходимые музыкантам коннотации. Притом этот язык может вполне гармонично сосуществовать с лирикой Зинаиды Гиппиус, современницы появления частушек (“Кто не спрятался”).

Инструментальный же язык neznak ъ никакого отношения к фольклору не имеет. Они используют сухие ритмические рисунки драм-машин Sisters of Mercy, электронные звуковые находки Fever Ray (“Видимо”), переплетают свои вокальные партии в духе Medicine Boy, а всё свободное пространство наполняют осторожными элементами конкретной музыки, получая суммарный эффект в духе альбома “Silent is Sexy” Einstürzende Neubauten.

Самое же приятное в творчестве neznak ъ — то, что несмотря на откровенную самопальность и скудные технические возможности, они звучат стильно. Трек “Близнецы”, пульсирующий как порочное детище Бликсы и Янки — отличная заявка на хит. А лоснящийся синтами и тематически закольцовывающий альбом трек “Засыпай” может совершенно уместно стоять с треками Хадн дадн в одном плейлисте «Музычка полюшка нашего». И при этом для записи группа использовали только пару мониторов, Ableton, гитару, укулеле и случайно подвернувшуюся на улице сломанную скрипку. А появление на альбоме укулеле — вообще вынужденная мера, просто потому что в процессе записи Зар сжёг себе газовым котлом руку и в итоге, единственное, на чём он мог играть из струнных — это гавайская гитарка.

У большинства новых сибирских групп присутствует обязательный набор в виде максимализма, снобизма и узколобого радикализма. К счастью, академовские ребята neznak ъ смогли этого всего избежать и потому изначально выигрывают. Да, с точки зрения продакшна к альбому можно придраться. И хотя neznak ъ — как бы логическое продолжение сибирского панка, стилистически они ушли от него довольно далеко — то есть, списать сырость звука на жанр уже сложно. Но, честное слово, если в нашей стране научатся делать даже такой звук, мир станет немножечко лучше.

Слушать: Стриминги | ВК

Весь мир в труху: Moodie Black — FUZZ

Moodie Black — группа тотальных неудачников, каких ещё небо не видело.

В конце 00-х у двух пацанов из Калифорнии была очень чёткая и актуальная идея: вывернуть хип-хоп, выпотрошить его, засунуть внутрь агонизирующие туши совокупляющихся индастриала и шугейза, а затем выпустить полученного уродца корчиться на публику. Причём этой таксидермией Moodie Black занялись как раз, когда первопроходцы этой науки Dälek решили уйти на покой.

Вот только буквально через 3 месяца после дебюта Moodie Black появились Death Grips, которые выстрелили так, что все моментально забыли про первых. Всё-таки они ну совсем не дотягивали что до сносящего башню безумия ранних Death Grips, что до их меметичности. Потом появились clipping., взявшие на себя роль нойз-рэпа для умненьких, и позже пошла целая новая волна хорроркора для менее умненьких (Ho99o9, GHOSTEMANE). Moodie Black же со своей аудиторией определиться всё еще не могли и позиционировали себя как замену Dälek. Но в 2016-м неожиданно ожили и они, не оставив своим последователям и этой ниши.

После такого поворота K Death, лидер, рэпер и продюсер Moodie Black, наконец, понял, что что-то со своей жизнью он делает не так и для начала переквалифицировал себя в лидерку, рэперку и продюсерку Moodie Black. А затем теперь уже она, запустив подкаст, начала исследование секрета успеха музыкальных групп, чтобы потом уже с высшим Знанием вернуться на сцену и всех разорвать. Первой такой попыткой был страшнейший альбом Lucas Acid 2018-го года.

Новый же альбом Fuzz, преисполненный Знания K Death, медленно и вкрадчиво разрывает черепные коробки вместе с ушными раковинами и Евстахиевыми трубами. Если те же Dälek экспериментируют с количеством звуковых слоёв, в которые можно погрузить человеческий голос, Moodie Black проверяют, насколько громким может быть каждый такой слой. Так что Fuzz несравнимо громче, чем музыка любых конкурентов Moodie Black. Что Dälek, что Death Grips рядом не стояли с ними по количеству децибел в секунду.

K Death питчит голос до состояния медвежьего рёва, пропускает между пластами харша моднейшие пост-панковые гитарные риффы и добивает совершенно дуболомными битами. В последнее время устраивать мошпит под хип-хоп стало нормальным, но, если вы хотите сохранить свои конечности, заниматься этим под Moodie Black не стоит. Выжить после “no mames” или “hi-v” невозможно: если не разнесёшь себе голову, то от стоптанных ног всё равно останется одно месиво.

Причём кажется, что K Death не столько обрела какое-то Знание, а просто после годов изучения секретов успеха не выдержала и решила, что лучше уже сжечь весь мир к хуям собачьим. Или, по крайней мере, призвать дьявола, чтобы он занимался этой работой. А если чем-то и можно вызвать дьявола, то только песней “Bound 2” Канье Уэста, которую K Death пускает параллельно “jesus bound”, что в совокупности с официальным видео звучит инфернально. Наконец кто-то использовал эту песню по назначению. Ненависть K Death к Канье вообще достойна отдельного поклона: строчек типа “Йези сказал, что нужно найти Господа / Но я лучше с бумером сожру окорок” до неё ещё не позволял никто.

Но самый прикол в том, что Moodie Black провели огромную работу над ошибками, изучили рынок, записали уникальный и дикий материал, запланировали свои самые масштабные гастроли. Они были готовы действительно порвать весь мир, но… началась пандемия, и всё пошло по пизде. Вместо концерта в центре Парижа им пришлось наспех выпустить видос, который не набрал и 300 просмотров, и весь их альбом просто тихо схлопнулся. И это группа, которая стояла у самых истоков жанра. Moodie Black — группа тотальных неудачников.

Жанр: noise rap, experimental hip hop
Лучшие песни: jesus bound, no mames, hi-v
Похожее: Dälek, Death Grips, clipping., Moor Mother, Deli Girls
Дата выпуска: 27 марта 2020 г.
Лейбл: Fake Four Inc.

Слушать: ВК I Стриминги

Лучший саундтрек к утреннему чтению новостей из США.
Дэнзел и Камаси, да еще и под продакшном Терраса - это уже интересно, как минимум.

Вообще то, что происходит в Америке сейчас - предельно важно. Потому что если абстрагироваться от причин происходящего, то можно уже начать радоваться за наше будущее. Тут же всё очевидно.

Прошлая волна Black Lives Matter принесла сотни охуительных и очень важных альбомов. Да даже я завёл этот канал не в последнюю очередь, чтобы систематизировать для себя происходящее тогда, и писал поначалу практически только про альбомы, связанные с этим движением.

А сейчас каждый день появляются всё новые видосы выносящих муз. магазины чернокожих ребят. Так что грядёт очень много чёрной музыки. А вы говорите, что нас это не касается.

https://www.youtube.com/watch?v=2OMirbGvn8o

RTJ4! Новый альбом Run The Jewels! Это не учебная тревога! Бросаем всё.

Слушать: Стриминги

Афрофутуризм в Перу: Dengue Dengue Dengue — Humos EP Vol. 1,2,3

Что есть интересного в Перу? Много офигенных лам и Мачу-Пикчу. Кажется, всё. На эту же тему как-то подумали два перуанца и вспомнили, что у их страны, как и у всех соседних, есть своя традиционная музыка. Но это скучно. А что, если взять эту традиционную музыку, которая ещё не дошла до внешнего мира, и смешать её с современной электроникой, которая ещё не дошла до Перу? Звучит интересно! Так образовались Dengue Dengue Dengue, ставшие первыми в стране, кто заиграл драм-н-бейс, техно и даб.

С тех пор прошло 10 лет, и в честь этого юбилея Dengue Dengue Dengue представили EP Humos, цель которого — показать всю историю дуэта, все этапы их творчества и, самое главное, дать понять, как ребята звучат вживую.

Но сразу определимся. Dengue Dengue Dengue выпустили одну версию EP для стримингов и другую для Bandcamp. Причём версия для Bandcamp поделена на 3 тома, последний из которых, вообще говоря, ещё не вышел, но все треки прослушать там уже можно. Кроме одного, но он есть на Soundcloud. Так вот мы будем рассматривать версию для Bandcamp, потому что то, что вышло на стримингах — это талантливо отобранная из всего Humos концентрированная скука, которая без остальных треков совершенно не работает. Определились.

История Dengue Dengue Dengue, рассказываемая в Humus, состоит 3-х эпох. Первая эпоха — электро-кумбия. Кумбия — это традиционный колумбийский стиль, распространённый по всему бассейну Амазонки. Но для молодежи последние лет 30 он считается диким зашкваром: что в Колумбии, что в Перу. Какое-то подобное отношение у нас, например, к романсам. Слышать-то все это слышали и слышим до сих пор, доносящимся из кафе “У Гарика” на повороте. Но слушать на полном серьёзе это мало кто будет.

Так что Dengue Dengue Dengue сделали перуанскую версию турбо-романсов. Они крайне бережно взяли ритмическую основу кумбии, элементы самого песенного материала, и погрузили это в тягучий, брызжущий флуоресцентными каплями, даб. Но более странный, чем обычно. Как бы, оно и понятно: сложно сравнить простенький ямайский кумар растаманов и перуанские церемонии с использованием аяуаски и пейота.

С электро-кумбией Dengue Dengue Dengue стрельнули на весь мир, но оставаться внутри этого жанра им довольно быстро наскучило. Так наступила вторая эпоха их творчества — исследование традиционной музыки всего мира. Они взяли такие стили, как бразильский зук, ангольский кудуро и португальский батида, и вытащили из них самую основу: ритмы. К тому же они кардинально изменили подход к своему творчеству: большинство перкуссий и голосов были не сэмплированы, а специально записаны музыкантами, которые играют в этих стилях.

Третья эпоха Dengue Dengue Dengue — их одновременное возвращение к свои корням — музыке Перу, и в то же время к корням музыки Перу — таким афроперуанским стилям, как креольская музыка.

> > > > >

Афрофутуризм в Перу: Dengue Dengue Dengue — Humos EP Vol . 1,2,3

> > > > >

На дисках Humos представлены каждая из этих трёх эпох в относительно равной пропорции. Но — уникальный случай! Самое интересное в Humos — не их оригинальные работы, а ремиксы. Dengue Dengue Dengue взяли различные знаковые и просто интересные песни из жанров, с которыми работали, но не стали их выворачивать, уничтожая заложенные идеи только ради того, чтобы сделать клёвую клубную долбёжку. Они сделали обратное: они убрали из этих песен аранжировки, которые изначально звучали нелепо и наполнили их традиционной для жанров ритмикой. То есть, в некотором роде, они реставрировали классику.

Но есть на Humos и вероятное будущее Dengue Dengue Dengue: тот самый трек “Pandilla”, которого нет на Bandcamp. Дело в том, что пару лет назад один польский продюсер Basy Tropikalne приехал в Перу и случайно услышал странную фолковую музыку, совершенно непохожую на кумбию, сальсу и прочие жанры, что там везде играют. Оказалось, что это пандия, очень редкий перуанский стиль музыки. Бэйси нашёл лучших электронщиков Перу Dengue Dengue Dengue и упросил их переложить эту музыку на электронику, тем самым создав совершенно новый жанр.

Так что, будущее Dengue Dengue Dengue уже намечено. И, как можно убедиться, пробежавшись по Humos, звучит оно как достойное и логичное продолжение их предыдущего творчества. А, значит, как только появится возможность, нужно будет срочно бежать на их лайвы. То, что там происходит — это настоящая феерия.

Жанр: dub, D’n’B, electro cumbia, afrofuturism
Лучшие песни: Simiolo, Cardó o Ceniza, Lokumba, Barrabass, Chinchivi
Похожее: Mala, Animal Chuki, Nortec Collective, Frikstailers
Дата выпуска: 1–29 мая, 2020 г.
Лейбл: DNGDNGDNG

Слушать: ВК | Стриминги (укороченная версия) | Bandcamp

Люблю копаться в свежих релизах каких-нибудь интересных стран типа Ганы. Во-первых, там можно найти действительно крутые штуки-дрюки. Во-вторых, там можно найти какую-нибудь совершенно феноменальную дичь и месяц с неё угарать. Тут, главное, не узнать потом подробностей вроде того, что угарал я над посмертным клипом умершей от голода старушки. У них там сходу это не всегда можно понять.

Так вот здесь угарать можно. Клип про сраный молодняк, который не слушается дедушек. Поэтому, если не будете слушать дедушку, получите ПО ЖОПАМ.

Охуенный клип с первой же секунды в общем.

https://www.youtube.com/watch?v=RnvgmMzS3fw&feature=emb_logo

Продолжу-ка я случайную рубрику всратых клипов.

Это Киллер Кау, и он играет грязный, почти граймовый квайто (это такой, очень грубо говоря, южноафриканский рэпчик). Но не в этом суть, мы ж тут про клипы.

А клип замечательно всрат. Месье Кау находит себе ништяковую мадам и предлагает ей отведать гнилых кушаний, которые отлично заходят с молоком. Мадам не понимает таких деликатесов, и пока кавалер отошёл мыть яйца, сваливает от него к богатенькому хахалю. Ситуация отстой, как будто этот богатенький хахаль будет ради неё ЯЙЦА МЫТЬ!

И всё это, конечно, сопровождается ЮАР-ными уличными танцами и вот этим всем. В общем, всё очень круто.

https://www.youtube.com/watch?time_continue=49&v=TEZspRCY_S4&feature=emb_logo

Что-то я подзабросил писать сюда, хотя в целом немало уже материалов накатал. Начинаю исправляться.

Техно мужского мира Туниса: Deena Abdelwahed — Dhakar (Тунис, Франция)

Дина Абдельвахед — одна из самых ярких сейчас представителей ближневосточного и североафриканского футуризма, обозначившая себя дебютником Khonnar в 2018-м году. И обозначившая мощно. Поместив искаженные до неузнаваемости магрибские мелодии под тяжелые и до предела напряженные техно-биты, она сразу стала в некотором роде символом расцвета новой музыки Туниса, из которого она родом. И это дало возможность её историям о гомофобии, расовых и гендерных проблемах быть услышанными.

Для нового альбома Dhakar Дина выбрала более короткий метр — EP, и потому сконцентрировалась только на одной проблематике — гендерной. На протяжении всего Dhakar она показывает, насколько мир Туниса — мужской, и потому и название релиза в переводе звучит как “Мужской”.

А мужского в арабском мире достаточно. Например, голоса, которые можно услышать на тунисских улицах. Это только мужские голоса, просто потому что женщины в Северной Африке не торгуют на рынках, из которых и состоят медины, центры магрибских городов. Музыканты, играющие на улицах — как правило мужчины. Мастера ритуальных церемоний — исключительно мужчины. Даже святые ислама — это практически только мужчины.

Чтобы показать всё это, Дина, используя ритмы различных жанров и ритуалов Магриба (в отличие от первого своего альбома, который она строила на техно-битах), рассказывает историю девушки, которая оказалась ночью на улице Туниса и вкушает все плоды, которые ночью может предоставить Северная Африка.

Альбом начинается с трека “Lila Fi Tounes” (“Ночь в Тунисе”), помещающий героиню в центр уличного ритуала, в котором десятки исступленных мужчин бьют в барабаны-дарбуки, доводя себя до эйфорического состояния. Девушка пытается сбежать от происходящей вакханалии, пробегает мимо окна, из которого доносится мужской голос, напевающий слова Эллы Фицджеральд для “Night in Tunisia”, но путающий куплеты. Но толпа всё равно догоняет девушку и уволакивает вглубь медины.

Ко второму треку “Ah’na Hakkeka” девушка, сбежав от толпы, оказывается возле дома, в котором проходит ритуал Стамбели, важнейшего религиозного течения Туниса. Мужские голоса уже взывают к духам, а мастер церемонии йинна направляет духов своей гитарой-гумбри. Девушка слышит, как мимо пролетают духи, как они овладевают участниками культа, одним за другим.

Самое интересное начинается тогда, когда один из духов-таки овладевает самой героиней в “Insaniyti”. Она оказывается в состоянии транса, она больше не может управлять своим телом, она больше не является собой. В её теле — кружащий по просторам Туниса Святой Багра (“Zardet Sidi Bagra”).

Очевидно, что для Дины Абдельвахед самое важное занятие — музыка, но женщина не может стать полноценным йинной, и ей не дано вести церемонии, ведь это занятие — мужское. Но то, что Дина делает в качестве диджея, максимально приближено к ритуалу Стамбели. Рассказывая свою историю, она совершенно феноменально имитирует звучание инструмента йиннов гумбри, воссоздаёт ритмы Стамбели, а к Insaniyti её музыка достигает невероятной трансовой мощи.

Ранее ни у кого из диджеев ещё не получалось ввести в настоящий транс слушателя. Хотя бы просто потому, что не было ещё духа, которого бы диджей призывал на танцпол. Дина же прекрасно знает, как это делается. Так что если на следующем выступлении Дины в Boiler Room вы увидите трясущихся в трансе одержимых духами людей, снимите это и покажите йиннам. Посмотрим, продолжат ли они считать своё занятие таким уж “мужским”.

Жанр: electronic, experimental, leftfield techno, stambeli, mezwed
Лучшие песни: Insaniyti
Похожее: nkisi, Lotic, Fever Ray

Слушать: ВК | Bandcamp | Стриминги

Ярость Бейрута: Liliane Chlela - Malign​/Benign (Ливан)

EP “Злокачественный / Доброкачественный” Лилиан Члелы я приметил ещё в день его релиза, подписав его самому себе: “Техно-чувиха из Ливана, кажется, ни разу тяжелее техно не слышал”. С тех пор он валялся у меня в общем пуле альбомов, пока не произошёл всем известный взрыв в Бейруте, и я снова не вспомнил про Лилиан и её релиз. Сразу скажу: Лилиан жива, с ней всё в порядке, и, судя по её соц. сетям, она в ярости.

А вернувшись к “Malign / Benign“, я понял, что отделить его от произошедшего и происходящего сейчас в Ливане практически невозможно. Весь её EP — это страшный концентрат гнева, это сдавленная ярость, от которой можно только сжимать изо всех сил челюсти до тех пор, пока кровоточащие зубные нервы не вылезут наружу.

Особенно это заметно на контрасте с прошлыми многочисленными проектами Лилиан, в которых она занималась различными довольно мягкими смешениями ориентальной музыки, драм-н-бэйса, эмбиента, пост-рока и джаза. Её музыка была энергичной, интересной, неожиданной. “Malign / Benign“ же сопоставим с тем самым бейрутским взрывом, и его едва ли можно назвать интересным. Неожиданным — да. В первые секунды это охуеть как неожиданно. Но происходящее дальше дробление костей — это уже не неожиданно. Это мучительно, страшно, это агония.

Причём “Malign / Benign” изначально задумывался как её видение, предчувствие будущего. EP состоит из 4-х треков: “2020”, “2021”, “2022” и “2024”. И надежды на светлое будущее в ближайшие годы у Лилиан не наблюдается.
Её первый трек — это та самая агония города, разъедающий уши вой сирен среди случайных басовых всплесков, захлёбывающихся в пост-роковых риффах. Построенный на сэмпле мужского вопля воинственный хайлайт релиза “2021” не делает EP оптимистичнее. Но пик ярости Лилиан приходится на конец —  трек “2024”. Трек, на протяжении которого она, благодаря звукам техно-сэмплированной пулеметной очереди и похоронному перезвону церквей чётко и ясно даёт понять, чего она хочет и что она чуть ли не собирается сделать с теми, кого она ненавидит: в первую очередь, конечно, русскими и евреями.

Возможно, не совсем честно толковать музыку “Malign / Benign” через призму взрыва в Бейруте, учитывая, что EP вышел на 2 месяца раньше трагедии. Даже несмотря на то, что он изначально задумывался как пророческий. Впрочем, знаете, сложно иначе воспринимать подобный релиз девушки, занимающейся раньше, вообще говоря, музыкой довольно комфортной. Но при этом именно этот релиз может полноценно коррелировать с её словами касательно взрыва: “Засуньте свои мысли, молитвы и грёбаную дипломатию себе в жопы”, “Месть и только месть”.

Жанр: electronic, leftfield techno, deconstructed club
Лучшие песни: 2021
Похожее: Khan El Rouh, Bashar Suleiman, Acid Pauli, Jessika Khazrik

Слушать: Bandcamp | Стриминги

Возвращение вуду к тому самому перекрёстку: Moonlight Benjamin — Simido (Гаити, Франция)

Часто многие блюзовые исполнители грешат тем, что приписывают своей музыке тэг “вуду”, имея в виду заложенную психоделию и некое “шаманство”. Так вот музыка Мунлайт Бенджамин — уникальный случай, когда использовать это слово вполне позволительно.

Дело в том, что Мунлайт (это её настоящее имя) родом из Гаити, центра религии вуду. Так что её понимание этой культуры кардинально отличается от видения блюзменов, считающих, что вуду — это когда в дурацкой одёжке жжешь костры из гитар на сцене. Впрочем, с учётом проявлений этой религии в поп-культуре — это ещё не худшее, как можно представлять вудуистов. Большинство людей всё ещё считает, что это страшное племя обедающих детьми и тычущих иголками в куклы дикарей. Мунлайт же своим примером показывает, что в реальности это огромная и непростая культура, имеющая крайне занятное влияние на современную культуру.

Чтобы продемонстрировать это, Мунлайт объединилась с французским гитаристом Маттисом Паско, обладающим довольно выразительным стилем, основанном на корневом американском блюзе. Сама же Мунлайт запела совершенно нечеловеческим голосом, взывая к Папе Легбе и другим гаитянским духам лоа. И это крайне интересное сочетание с учётом того, что ранний блюз, используемый Паско, имеет в своей основе как раз вудуистские корни. В своём же первом совместном альбоме Siltane Мунлайт и Паско взяли видоизменившийся за столетие блюз и снова совместили его с музыкой Гаити.

Ко второму альбому Simido Мунлайт масштабировала свою идею. Вместо гаитянского вуду и даже отказавшись от призывов к духам лоа, она начала активно использовать креольскую музыку (“Pale Pawòl”), гваделупский зук (“Nap Chape”) и другую карибскую музыку. Риффы Паско тоже заметно преобразились: вместо отсылок к дельта-ревайвлу 60-х и 90-х, теперь они крутятся скорее вокруг рока 70-х и пустынного блюза. Тут правда не совсем ясно, при чём тут пустынный блюз: всё-таки где Мали, а где родина вуду Бенин (расстояние между ними как от Москвы до Одессы).

Тем не менее, стремление Мунлайт к применению музыки других культур объяснимо. Культура вуду произошла из религии племени йоруба (Бенин, Того). Во времена работорговли рабов оттуда перевозили не только в Гаити. Поэтому культуры с корнями йоруба появлялись повсеместно. И, соответственно, музыка тоже. Да, это было вуду, но также и кубинская сантерия, и бразильский кандобле, и, в некотором роде, блюз.

Поэтому Мунлайт, ссылаясь на различные стили, исполняет разные виды именно вудуистской музыки. Кроме того, в составе Creole Spirits с Омаром Сосой они целенаправленно изучают семейство карибской музыки и в первую очередь два вида: кубинский вудуизм и гаитянский вудуизм, которые легли в основу альбомов уже под её именем.

То, что проделала Мунлайт — результат огромной культурологической работы, благодаря которой она смогла разносторонне рассмотреть свою культуру. Но важно и то, что музыка Мунлайт, как и язык, на котором она поёт — “креольская”. То есть, это синтез стилей, в котором каждый из них не стремится к какому бы то ни было доминированию. Они существуют в гармоничном многообразии, но они уже не работают как музыка вуду, в каждом подвиде которой необходима точность ритуальных элементов. Призывать лоа этой музыкой всё-таки невозможно, именно поэтому мы больше не слышим призывов духов в Simido в отличие от Siltane. Simido более честен.

И он всё ещё содержит всю образность корневого блюза. Ведь когда-то давно, на одном перекрёстке в Миссисипи великий блюзмен Роберт Джонсон продавал душу Папе Легбе. И вот мы снова там.

Жанр: blues rock, haitian folk, haitian voodoo, creole music
Лучшие песни: Salwe, Pale pawol, Pye Poudre
Похожее: Angélique Kidjo, Elza Soares, The Black Keys

Слушать: ВК | Bandcamp | Стриминги

Недавно я заводил рубрику новых всратых клипов изо всяких африк. А ещё чуть раньше я писал (вообще не только писал, но и видос снимал даже, но покажу эту стыдобу только за соточку и подписку о неразглашении) про перуанцев Dengue Dengue Dengue, чьи клипы - это сама квинтэссенция коммерческой всраки. В исключительно хорошем смысле.

Так вот оказалось, что у DDD появились новые последователи. Месяц назад на любимом моём аргентинском лейбле ZZK группа Ghetto Kumbe из Боготы выпустили одноимённый альбом Ghetto Kumbe. И в отличие от DDD, чтобы их нормально слушать, не нужно продираться через ремиксы перуанских классиков, разжижающие мозжечок даб-миксы и ломать голову, где чуваки еще играют кумбию, где зук, где кудуро, а где просто упоролись пейотом. Вместо этого можно расслабиться, пойти на ближайший пляжик, вставить в пивную баночку зонтик и дрыгать ногами.

Потому что у Ghetto Kumbe всё легко: они просто играют электро-кумбию и лезут только туда, куда лезет сама электро-кумбия. То есть, конечно, в разный афрохаус на основе афро-карибских ритмов, а это охуенно. Особенно с учётом того, что все ритмы сыграны на живых колумбийских инструментах.

Плюс ко всему, что особенно замечательно, Ghetto Kumbe подсвистнули у Dengue Dengue Dengue стиль клипов. То есть, можно даже на пляжик не идти, а врубить дома видос, сжечь им глаза и порвать от смеха живот. Всем советую.

Слушать: Bandcamp | Стриминги

Смотреть:
https://www.youtube.com/watch?v=41-AJwH9waA
https://youtu.be/BpLqq89B-2U

Небольшой камин-аут. С год назад меня довольно круто занесло в сторону изучений музыки и культуры Среднего Востока с Северной Африкой. Ну, это, пожалуй, заметно по моим статейкам.

Но вообще мой бэкграунд относится к области музыки всё-таки американской, а точнее корневой музыки конца XIX - начала XX-го века: госпелу и дельта-блюзу в первую очередь. Этой музыке я посвятил лет эдак 10, изучил практически каждого музыканта тех лет, выучил их песни, научился играть в их стилях (кстати, пс, ищу музыкантов, спб) и всё-такое. И в своих текстах, вы могли заметить, я довольно часто ссылаюсь на музыкантов тех лет.

Но я никогда не пишу конкретно про дельта-блюз и госпел. Почему? Потому что в основном современные потуги в этих областях звучат так, как звучат и их названия: уныло, тухло и никому не нужно. Если что-то в этом духе и звучит интересно, то радикально экспериментальные работы, основанные на корневых песнях типа тех же Algiers, Ghostpoet или Young Fathers. Про это я, конечно, пишу, как иначе, но таких случаев единицы, за всю жизнь я нашёл не больше 10-ти имён в этом направлении. Но суть всей этой музыки вовсе не в экспериментах, а в её, кхм, уникальной силе.

Та музыка, что играла 100 лет назад - совершенно уникальное явление, какого не было раньше (по крайней мере, на записи, по понятным причинам) и не было после уже никогда. Эклектичной музыки-то в лабораторных условиях появлялось хоть отбавляй. Но никогда более не появлялось в реальных условиях чего-то подобного смешению музыки африканской религии народа йоруба (получившей известное развитие под названием "вуду"), "дроуновой" арабской школы исполнения, инструментария откровенно животной ранней традиции фламенко и слёзно-балаганного ирландского песенника. И очень грубо говоря, именно этим миксом и являлись блюзы.

Само собой, получившийся элемент просто не мог оказаться стабильным, поэтому он моментально развалился на части, и та музыка, что сейчас существует под словами "блюз", "кантри", "госпел", "соул", "блюграсс" - это лишь продукты распада того процесса. Но самое дибильное во всей этой истории то, что люди не придумали новых терминов и продолжили называть городской блюз блюзом, а церковные хоры госпелами (В этот момент я посылаю нахуй всех, кто выступает против тегирования музыки).

И поэтому возникает жуткая путаница. Возможно, кто-то записывает альбом того госпела, что изначально стоял под этим словом. Однако альбомов этого жанра в неделю выходит, кажется, больше, чем хип-хопа. Американцы обожают такую облизанную религиозную музыку, которая рождается только для того, чтобы в тот же день захлебнуться в крови своих агонизирующих конкурентов. Найти исконный госпел в этом церковном аду невозможно.

Так вот чо я пишу-то. За лето я случайно набрал целых ТРИ интересных госпельно-блюзовых альбома. Ими я на этой неделе с вами и буду делиться.

Последний настоящий госпел: Brother Theotis Taylor - Brother Theotis Taylor (США)

Жанр: gospel, blues, spirituels, soul
Лучшие песни: Swing Low, Sweet Chariot, Burden Away, How Great Thou Art
Похожее: Sam Cooke, Aretha Franklin, Robert Wilkins, Al Green

Перманентное шипение бобин, примитивный, но величественный звук фортепиано и голос чернокожего старика, выдавливающего из себя всё, что у него есть и когда-либо было, в давящийся и кашляющий от звукового напора рекордер. Сложно представить, что такая музыка может выйти в 2020-м году и тем более не быть стилизацией. Тем не менее, альбом госпелов "Brother Theotis Taylor" 92-х летнего проповедника Брата Теотиса Тейлора действительно вышел, и он звучит как один из лучших религиозных альбомов условного 1956-го года.

Брат Тейлор исполняет традиционные афроамериканские песни - и исполняет их с таким надрывом, с такой пеленой на глазах, что не испытать священный трепет совершенно невозможно. И слышно это не только в его голосе, но и в том, как он играет на инструментах - акустической гитаре и фортепиано - дополняя их топотом своих ног. Он филигранно управляет пульсациями песен, как умели только довоенные блюзмены. И госпел, который он исполняет - как раз тот самый госпел, только-только сбежавший из блюзовых рамок, но ещё во многом являющийся дельта-блюзом. Особенно это слышно в гитарных "Stand By Me" и "Let Nothing Separate Me", использующих технику игры на повышенных строях классической гитары старины Чарли Пэттона и его последователей.

Впрочем, самое эффектное на альбоме - это то, как Брат Теотис Тейлор чувствует фортепиано и чередует волны пульсации инструмента со своим голосом. Самые яркие такие моменты на альбоме - это любимая песня его прихода "Swing Low, Sweet Chariot", народный спиричуэлс и одна из песен Подземной Железной Дороги, "Burden Away" и совершенно грандиозная "How Great Thou Art", которая своей мелодией просто вырывает сердце со всеми венами и артериями из груди.

Но этот альбом дался Брату Теотису не так просто. Для того, чтобы записать каждую из песен альбома, Теотис днями постился, не принимал никакую пищу и ждал момента, когда Дух снизойдёт до него, чтобы он мог подойти к инструменту и начать играть. И когда он начинал играть, он впадал в религиозный экстаз, терял контроль и записывался так, что после того, как заканчивал, он не помнил ни как он сыграл композицию, ни что это за композиция вообще была.

На самом деле, сложно найти записи такого уровня, даже перекапывая пластинки 30–50-х годов. Дело в том, что как только появлялся исполнитель с таким талантом, он с хорошей вероятностью становился знаменитым, его, как и в наши дни, покупала крупная студия типа Columbia и давала музыканту возможности записываться с оркестрами в профессиональных студиях. Соответственно, звук музыканта резко менялся - нельзя сказать, что в худшую сторону, ни в коем случае, но это были уже профессиональные записи, рассчитанные на радиоротации. Записи, подобные "Brother Theotis Taylor", сейчас можно найти только в немногочисленных сборниках типа великого "The Rise and Fall of Paramount Records" Джека Уайта или "American Primitive" от Doxy. То есть, обычно это была одна единственная запись музыканта, в нашем же случае мы имеем целый альбом, и потому услышать подобное - случай, вообще-то говоря, уникальный, а то, что музыкант, записавший подобное сейчас жив, вообще не укладывается в голове.

Слушать: ВК | Bandcamp

Корневые песни протеста: Jake Blount — Spider Tales (США)

Во всей вселенной не происходило ничего более тухлого, чем всплеск Black Lives Matter этого года. Помните, что было раньше? В Америке происходит движуха — и бам! огромные работы Кендрика, Гловера, Бенджамина Букера и сотен других исполнителей, которые вдохновляли миллионы людей изменить что-то или хотя бы просто продолжать жить. Но в этот раз не вышло по сути ничего. Как будто бы говорить больше нечего. А то, что и выходило — по сути было очередным переворачиванием “Фак зе полис”, который с чего-то считается основой музыки BLM.

Тем не менее, угнетение афроамериканцев началось не в 80-х годах XX-го века. И тут происходит тот же момент, когда музыканты любого жанра пытаются изобрести нечто новое внутри своего стиля, но не знают его базиса. Крайне редко это приводит к появлению чего-то нового. Так же и в этом случае.

К счастью, есть ребята типа скрипача и игрока на банджо Джейка Блаунта, который может ещё напомнить, что протест и отчаянное стремление к выживанию чёрной расы стояли в принципе у истоков всей афроамериканской музыки. Ещё до разбивки на блюзы, кантри и госпелы. И эта музыка была действительно подрывной. Большинство песен базировались на кодах, которые не слышали (потому что не слушали) белые люди, зато прекрасно слышали чёрные. Некоторые песни, как так называемые песни Подземной Железной Дороги, показывали рабам пути к спасению, как им передвигаться к свободным штатам. Некоторые, как песня, спетая Джейком “Move, Daniel”, не были так инструктивны, но подначивали воровать еду у своих хозяев. Некоторые песни были религиозно-трансовыми, и они должны были давать силы рабам. И все они так или иначе предназначались для свержения существующего порядка.

Коды рабов, в том числе разбор кода песни “Move, Daniel”, частично разобраны в книге “Negro Slave Songs In The United States” Майлза Марка Фишера 1953-го года.Также в свободном доступе есть статья “Slave Songs: Codes of Resistance” Конрада Сиднея Байера, во многом основанная на работах Майлза Марка Фишера и посвященная непосредственно кодам рабов.

> > > > >

> > > > >

Альбом Джейка Блаунта “Spider Tales” — как раз сборник подобных песен, точнее, самых мрачных из них. Это древние песни, донесённые до нас сборщиками фольклора типа Лидбелли или Джона и Алана Ломаксов, в основном не имеющие авторов или по крайней мере информации о них. И все эти песни несут следы жуткого отчаяния, боли, потерь и несправедливости, через которые прошли чернокожие рабы.

А Блаунт совершенно феноменально это подчеркивает. Во-первых, инструментами и техникой игры на них. На переднем плане каждой песни находятся скрипка и банджо (кроме последнего апокалиптичного блюза Mad Mama’s Blues, где банджо заменяет акустическая гитара). Но интересен не столько инструментарий, сколько то, как на нём воспроизводятся звуки. С одной стороны, Блант с командой смогли в точности воссоздать техники звукоизвлечения, которыми пользовались в конце XIX века. И с другой, они добились такого раздирающего звука, что одним им уже можно разорвать кандалы, цепи, а заодно и не в меру зарвавшихся людей. Слушать скрипку участницы коллектива Блаунта Татьяны Харгривз физически больно. И так и должно быть в этой музыке. Именно эта боль вкупе с безграничным уважением к истокам даёт кардинально новые эмоции от сыгранной группой Блаунта старой музыки.

Музыки, которая стилистически является предтечей блюза, блюграсса, госпела, спиричуэлса и песен области Аппалачи, то есть вообще всей афроамериканской музыки. Но идейно благодаря своей подрывной сути являющейся корневой для всей современной музыки протеста.

Собственно, паучок Ананси, к которому отсылает название альбома, был как раз таким первым “чёрным Навальным”: сказочным чувачком, вся жизнь которого — это бесконечная борьба с людьми, пытающимися получить над ним власть. Но Ананси своей хитростью всегда обводит своих врагов вокруг пальцев своих многочисленных лапок. Хотелось бы, чтобы современные борцы за свободу тоже поучились хитрости у этого паучка. Или хитростям корневых песен. Или по крайней мере ознакомились с тем, как музыка, которую они делают, строилась изначально: какие единичные векторы привели её к звучанию 80-х, а затем и современному саунду. И используя эти знания, шли к свободе.

Жанр: country, blues, bluegrass, oldtime, gospel, spirituels, appalachian folk
Лучшие песни: Roustabout, Move Daniel, Brown Skin Baby, Boll Weevil
Похожее: Leadbelly, Alan Lomax, Dirk Powell, Tim O’Brien

Слушать: ВК | Bandcamp | Стриминги

Новеллы об утраченном времени: Bill Callahan — Gold Record (США)

“Hello, I’m Johnny Cash” — так Билл Каллахан начинает свой альбом, и так с первых же секунд Билл бьёт в самое сердце. В некотором смысле эта фраза была гораздо большим столпом в истории музыки, чем сам Человек в Чёрном. Американская музыка всегда менялась и прогрессировала, Джонни тоже с каждым годом становился все более трансцендентной персоной. Но эта фраза, с которой Джонни начинал каждое своё выступление, была всегда. А потом вместе с Джонни её не стало. И сейчас, когда эта фраза снова звучит из уст Билла Каллахана, испытываешь чувства крайне смешанные: с одной стороны, это вспышка радости от давно позабытого звукосочетания. Но радость быстро перебивает тоска даже не столько по Джонни Кэшу, сколько по тому, сколько прошло лет с его смерти (семнадцать).

Это чувство тоски, связанное с утраченным временем, в том или ином виде не уходит на протяжении всей пластинки. Тоска иногда сменяется радостью, но радостью обычно не яркой, а спокойной, созерцательной. Ведь “Gold Record” — это набор историй, наблюдений Каллахана, накопившихся у него за немалые годы его жизни. Часть этих историй отчасти правдива, часть — чистейший вымысел, часть историй Билл рассказывает от лица себя, часть — от лица выдуманных персонажей, часть песен была придумана непосредственно для этого альбома, часть была сочинена многие годы назад. Но все эти истории объединяет одна позиция Каллахана, с которой он вспоминает произошедшее ранее. В первую очередь, это позиция человека, давно счастливого в браке, живущего размеренной жизнью, но имевшего бэкграунд крайне нетривиальный.

Особенно с учётом того, что Каллахан вытворял в 90-х под псевдонимом Smog. Тогда для него было в порядке вещей извращать американский фолк до магического уровня Psychic TV или ранних The Bad Seeds. Да достаточно только упомянуть, что в 1999-м он умудрился поработать на саундтреком к “Pola X” вместе с великим Скоттом Уокером, чтобы понять, что из себя представлял Smog.

Непосредственно Билл Каллахан же не имеет подобных целей вроде извращений над музыкой. Прошлые записи Билла под собственным именем, как и “Gold Record” — это чистейший фолк, американа в её первозданном виде без даже малейшей примеси кантри или реднековских поскакушек Нэшвилла. Это фолк, замечательно и изобретательно записанный, это песни, исполнить которые не стыдно было бы и упомянутому Джонни Кэшу.

Впрочем, ссылается в “Gold Record” Каллахан не на одного человека. Так в “Protest Song” Билл подражает гитарной технике Джона Ли Хукера, превращая песню в нуарную зарисовку вроде того же фильма “The Hot Spot”, где Билл крайне орно высмеивает всю современную музыку протеста. Тут же на альбоме присутствует дурацкий, но обаятельный поклон Раю Кудеру (“Ry Cooder)”. Есть отсылка и к Леонарду Коэну и к самому себе из прошлого. “Let’s Move To The Country” — кавер на один из главных хитов Smog, в котором он заполнил пробелы во фразах, сказанных двумя влюбленными друг другу “Let’s start a…”. Теперь, конечно, в этой песне звучит “Давай создадим семью”, “давай заведём ребенка”. Каллахан уже перешёл возраст этой неопределенности и прекрасно понимает, что ему нужно.

Но это понимание — не самое радостное, что может быть с человеком. С каждым альбомом голос Каллахана становится все более грустным и грузным, а рельефность его тембра уже практически дошла до уровня последних записей Джонни Кэша и Леонарда Коэна. Это пугает. Но всё-таки “Gold Record” не звучит как “American Recordings” или “You Want It Darker”. В нём слышится не прощание, а только лишь тоскливое, но оптимистичное созерцание самого себя, прожитых лет. Без малейшего брюзжания.

Жанр: americana, american folk
Лучшие песни: Pigeons, Protest Song, Breakfast
Похожее: Johnny Cash, Leonard Cohen, Bob Dylan

Слушать: ВК | Bandcamp | Стриминги

Киберпанк 2020: CLT DRP — Without the Eyes (Великобритания)

Любой, кто хоть как-то следит за новостями, мог обратить внимание, что в какой-то момент мир, в котором мы живём, практически перестал отличаться от киберпанк-вселенных, описанных Филипом К. Диком и Уильямом Гибсоном. Автомобили уже летают в космосе, чипы имплантируются в мозги свиней, корпорации владеют большими деньгами, чем государства, на территории которых они базируются, пикчи Кибердянска перестали быть смешными, потому что они уже вполне достоверно отражают действительность. Для полноценного осознания того, что мы перешли эту черту киберпанка, не хватает только кардинального изменения культурного пласта. Грубо говоря, если вставить в фильм Bladerunner музыку Цоя, Шнура или Shortparis, всё ощущение этого самого киберпанка испарится. Дождей из говна и голограммных девиц нам в реальности хватает.

Но музыка британских панков CLT DRP — это как раз очевидное и ярчайшее знамение перехода к новой эре. Ничто ранее не звучало, как CLT DRP. Их музыка могла бы стать идеальным саундтреком к будущему Cyberpunk 2077, если бы она не стала идеальной музыкой к походу до ближайшего Ситилинка.

При этом самое главное даже не в их экспериментальности, потому что экспериментаторов в мире хватает, а в том, что их музыка максимально легка. Она звучит так, как будто так играть нормально. Как будто бы все так делают. Пока JPEGMAFIA выжимает из себя все свои соки, демонстрируя, что можно делать с музыкой, CLT DRP просто играют. Уверен, гитарист CLT DRP Скотт Рейнольдс недоумевает, как вообще можно взять в руки гитару и не звучать, как хриплый механический голос вернувшегося с Проксимы ошалелого Палмера Элдрича.

Ещё раз повторю: гитару. То, что инструмент, который звучит на “Without the Eyes” — это гитара, просто не бьётся в голове. Я специально просмотрел все лайвы CLT DRP, чтобы найти, где подвох, где они включают подложку, ведь невозможно издать такой звук из этого инструмента. Но нет, всё честно. Благодаря не самому большому в мире педалборду при активном участии лупера, Скотт врубает такой мясистый EBM, к какому только могли стремиться когда-то модные рубильщики Knife Party. При этом в его стиле игры без особых усилий читается и звук французских электронщиков типа SebastiAn, и металл-школа Meshuggah, и технические наработки Buckethead. Собственно, сравнение стиля Скотта с Buckethead будет наиболее верным, ведь именно ведроголовый задрот возвёл в абсолют роботизированную манеру игры на гитаре. Только Buckethead так в итоге так никому и не упал и теперь кажется, что всё его существование было необходимо только для того, чтобы его идеи спёр и переработал Скотт Рейнольдс.

Особенно интересно эта электронно-механическая гитарная техника гармонирует со звучанием барабанщицы CLT DRP Дафне Коскериду, так же как и Скотт, отказавшейся от электронного звука, казалось бы, логичного для этой музыки. Но молотит она по бочкам с такой мощью, с какой человек с обычными мясокостными конечностями просто не должен вывозить.

Когда мой чипированный мозг, наконец, активируют 5G-вышками, и я пойду сносить башни корпоративным крысам, включите мне, пожалуйста, CLT DRP. Хочу полностью погрузиться в этот дивный новый мир.

Жанр: electro punk, garage punk, noise rock, EBM, djent
Лучшие песни: Where The Boys Are, Kill For Nothing, Speak To My
Похожее: Kim Gordon, Buckethead, P.J. Harvey, Yeah Yeah Yeahs, Meshuggah

Слушать: ВК | Стриминги | Bandcamp

Я тут, наконец, дебютировал на Афише, причём с довольно интересным поводом.

В ноябре (вероятно, даже завтра, но не факт) на Denovali выйдет дебютный альбом «Karma» Mansur, нового проекта Джейсона Конена, известного в первую очередь по дарк-джаз- и дум-джаз-коллективам The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble и The Mount Fuji Doomjazz Corporation. Проект Mansur отличает от предыдущего творчества Конена центрированностью на арабском ориентальном звучании. Первый диск группы «Temple» вышел в июле 2020 года.

Ответственен же за это звучание русский музыкант Дмитрий Глоба, мастер игры на древнем восточном инструменте уде, искусство игры на котором он постигал в египетской школе Бейт-Аль-Уд в Каире. Мы поговорили с Дмитрием о школах игры на уде, о его вкладе в проект Mansur, о восприятии арабской музыки и об эффектах, возникающих при переносе одной культуры в другую как географически, так и музыкально.

Вообще говоря, это был довольно важный для меня самого разговор, как минимум потому что я сам играю на уде, тоже перевёз, так скажем, ориентальную (правда, в основном магрибскую) музыку в Россию и сам столкнулся с упомянутыми в интервью проблемами. Но речь тут, слава богу, не обо мне.