Channel: Русская классическая живопись
С началом лета, друзья!🌿
«Лето в творчестве русских художников»
1. Шишкин Иван Иванович. «На опушке» (1885)
2. Айвазовский Иван Константинович. «Вид из Ливадийского парка на Ялту» (1866)
3. Поленов Василий Дмитриевич. «Задворки» (1892)
4. Левитан Исаак Ильич. «Луг на опушке леса (Опушка леса)» (1898)
5. Куинджи Архип Иванович. «Березовая роща» (1901)
6. Васильев Федор Александрович. «Летний жаркий день» (1869)
7. Сергеев Николай Александрович. «Пейзаж» (1891)
8. Крыжицкий Константин Яковлевич. «Деревня на берегу реки. Вечер» (1905)
9. Саврасов Алексей Кондратьевич. «Берег реки» (1879)
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
«Лето в творчестве русских художников»
1. Шишкин Иван Иванович. «На опушке» (1885)
2. Айвазовский Иван Константинович. «Вид из Ливадийского парка на Ялту» (1866)
3. Поленов Василий Дмитриевич. «Задворки» (1892)
4. Левитан Исаак Ильич. «Луг на опушке леса (Опушка леса)» (1898)
5. Куинджи Архип Иванович. «Березовая роща» (1901)
6. Васильев Федор Александрович. «Летний жаркий день» (1869)
7. Сергеев Николай Александрович. «Пейзаж» (1891)
8. Крыжицкий Константин Яковлевич. «Деревня на берегу реки. Вечер» (1905)
9. Саврасов Алексей Кондратьевич. «Берег реки» (1879)
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
Фешин Николай Иванович
«Золотые волосы», (1914)
Холст, масло 71 x 66,5 см
Приморская государственная картинная галерея
Композиция картины «Золотые волосы» разворачивается по кругу. Ощущение движения на картине задают динамичный поворот головы модели и её отведённая рука. А лицо девушки оказывается в центре этого круга.
Данный портрет Фешин создал в 1914 году, когда работал преподавателем живописи в Казани. В то время он часто писал учениц местной художественной школы, и исследователи полагают, что одна из них и послужила моделью для «Золотых волос».
В портрете Фешин отразил естественную грациозность и порывистую эмоциональность своей героини, сочетание её женственной натуры и твёрдого характера, который выдает резкий и прямой взгляд девушки.
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
«Золотые волосы», (1914)
Холст, масло 71 x 66,5 см
Приморская государственная картинная галерея
Композиция картины «Золотые волосы» разворачивается по кругу. Ощущение движения на картине задают динамичный поворот головы модели и её отведённая рука. А лицо девушки оказывается в центре этого круга.
Данный портрет Фешин создал в 1914 году, когда работал преподавателем живописи в Казани. В то время он часто писал учениц местной художественной школы, и исследователи полагают, что одна из них и послужила моделью для «Золотых волос».
В портрете Фешин отразил естественную грациозность и порывистую эмоциональность своей героини, сочетание её женственной натуры и твёрдого характера, который выдает резкий и прямой взгляд девушки.
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
Шишкин Иван Иванович
«В Сиверской», (1896). Этюд
Холст, масло. 31 x 54 см
Челябинский государственный музей изобразительных искусств
«В Сиверской» — небольшой пейзаж, который Шишкин написал в 1896 году. В XIX веке местечко Сиверская стало настоящим местом паломничества для русских писателей и художников. Среди известных дачников были Гончаров, Куприн, Мамин-Сибиряк, Крамской, Репин, Маяковский, Блок. Сиверскую даже сравнивали с Европой — настолько она полюбилась знаменитостям:
Шуму здесь нет… Место очаровательное, стоит Швейцарии по удивительной красоте.
В Сиверской — живописной деревеньке под Санкт-Петербургом — находилась дача идеолога «Товарищества передвижных художественных выставок» Ивана Крамского. Иван Шишкин был частым гостем у Крамского. «Здесь легко дышится, замечательная природа», — писал о деревне Шишкин.
«В Сиверской», (1896). Этюд
Холст, масло. 31 x 54 см
Челябинский государственный музей изобразительных искусств
«В Сиверской» — небольшой пейзаж, который Шишкин написал в 1896 году. В XIX веке местечко Сиверская стало настоящим местом паломничества для русских писателей и художников. Среди известных дачников были Гончаров, Куприн, Мамин-Сибиряк, Крамской, Репин, Маяковский, Блок. Сиверскую даже сравнивали с Европой — настолько она полюбилась знаменитостям:
Шуму здесь нет… Место очаровательное, стоит Швейцарии по удивительной красоте.
В Сиверской — живописной деревеньке под Санкт-Петербургом — находилась дача идеолога «Товарищества передвижных художественных выставок» Ивана Крамского. Иван Шишкин был частым гостем у Крамского. «Здесь легко дышится, замечательная природа», — писал о деревне Шишкин.
Неврев Николай Васильевич
«Пётр I в иноземном наряде перед матерью своей царицей Натальей, патриархом Адрианом и учителем Зотовым», (1903)
Холст, масло. 111 x 89 см
Ставропольский краевой музей изобразительных искусств
Картина из собрания Ставропольского музея изобразительных искусств, посвященная Петру I, полна внутренней энергии.
Неврев создал глубокую драматическую коллизию, построенную на психологическом взаимодействии персонажей. Петр демонстрирует матери — царице Наталье Кирилловне, патриарху Адриану и своему учителю Никите Зотову иностранный костюм. Камзол, треугольная шляпа, полосатые чулки и туфли с пряжками вызывают у них неоднозначную реакцию. Царица смотрит на сына с порицанием, патриарх в недоумении разводит руками, Зотов задумчиво трет подбородок.
Вся сцена тщательно продумана автором. Деталями Неврев напомнил о настороженном отношении допетровской Руси к западным веяниям. Важна каждая подробность — выражения лиц, взгляды, позы и жесты, костюмы, интерьер. На стене висит портрет Алексея Михайловича с атрибутами царской власти как символ вековых устоев.
Всему противостоит высокая, прямая фигура юного Петра, дерзко бросающего вызов патриархальной старине. Он часто бывает в Немецкой слободе, но еще не ездил за границу — по сюжету картины еще далеко до царских указов и проекта новой столицы. Но, демонстрируя европейский костюм, Петр заявляет о своей будущей реформаторской деятельности. Этим противостоянием в композиции полотна Неврев сохранил ощущение грядущих глобальных перемен.
«Пётр I в иноземном наряде перед матерью своей царицей Натальей, патриархом Адрианом и учителем Зотовым», (1903)
Холст, масло. 111 x 89 см
Ставропольский краевой музей изобразительных искусств
Картина из собрания Ставропольского музея изобразительных искусств, посвященная Петру I, полна внутренней энергии.
Неврев создал глубокую драматическую коллизию, построенную на психологическом взаимодействии персонажей. Петр демонстрирует матери — царице Наталье Кирилловне, патриарху Адриану и своему учителю Никите Зотову иностранный костюм. Камзол, треугольная шляпа, полосатые чулки и туфли с пряжками вызывают у них неоднозначную реакцию. Царица смотрит на сына с порицанием, патриарх в недоумении разводит руками, Зотов задумчиво трет подбородок.
Вся сцена тщательно продумана автором. Деталями Неврев напомнил о настороженном отношении допетровской Руси к западным веяниям. Важна каждая подробность — выражения лиц, взгляды, позы и жесты, костюмы, интерьер. На стене висит портрет Алексея Михайловича с атрибутами царской власти как символ вековых устоев.
Всему противостоит высокая, прямая фигура юного Петра, дерзко бросающего вызов патриархальной старине. Он часто бывает в Немецкой слободе, но еще не ездил за границу — по сюжету картины еще далеко до царских указов и проекта новой столицы. Но, демонстрируя европейский костюм, Петр заявляет о своей будущей реформаторской деятельности. Этим противостоянием в композиции полотна Неврев сохранил ощущение грядущих глобальных перемен.
Герасимов Александр Михайлович
«Букет цветов. Окно», (1914)
Холст, масло 140 x 114 см
Ставропольский музей изобразительных искусств
Герасимов написал «Букет цветов» в период, когда учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. На эту работу сильно повлияло увлечение художника импрессионизмом — стилем, в котором главной задачей была не детальная прорисовка объекта, а попытка изобразить впечатление от него. В раннем творчестве Александр Герасимов писал много пейзажных зарисовок и натюрмортов, передающих такое впечатление. В его этюдах было много свежего воздуха и ярких, сочных красок, которые в будущем стали частью его авторской манеры.
На картине букет цветов в стеклянной банке с водой стоит на подоконнике. В распахнутое окно входит весенний пейзаж: небо с легкими облаками, светлая полоса полей, уходящих к горизонту, стволы деревьев с яркой молодой листвой, крыши домов, подсвеченные солнцем. Эта легкость и прозрачность продолжены в кисейной занавеске окна и в натюрморте на подоконнике: рядом с банкой с цветами лежит раскрытая книга.
«Букет цветов. Окно», (1914)
Холст, масло 140 x 114 см
Ставропольский музей изобразительных искусств
Герасимов написал «Букет цветов» в период, когда учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. На эту работу сильно повлияло увлечение художника импрессионизмом — стилем, в котором главной задачей была не детальная прорисовка объекта, а попытка изобразить впечатление от него. В раннем творчестве Александр Герасимов писал много пейзажных зарисовок и натюрмортов, передающих такое впечатление. В его этюдах было много свежего воздуха и ярких, сочных красок, которые в будущем стали частью его авторской манеры.
На картине букет цветов в стеклянной банке с водой стоит на подоконнике. В распахнутое окно входит весенний пейзаж: небо с легкими облаками, светлая полоса полей, уходящих к горизонту, стволы деревьев с яркой молодой листвой, крыши домов, подсвеченные солнцем. Эта легкость и прозрачность продолжены в кисейной занавеске окна и в натюрморте на подоконнике: рядом с банкой с цветами лежит раскрытая книга.
Стефановский Иван Петрович
«После ливня», (1870)
Холст, масло 80 x 130 см
Художественный музей им. М.В. Нестерова, Уфа
Иван Петрович Стефановский — русский художник-реалист, последователь школы пейзажной живописи, основанной Алексеем Саврасовым. С юных лет художник проявлял большой талант, которому не суждено было развиться в полной мере — тому помешали крайняя бедность и ранняя смерть в возрасте 28 лет из-за тяжелой болезни. Тем не менее живописец оставил после себя серию ярких работ, пронизанных глубоким драматизмом и трагичными переживаниями.
Всю жизнь Стефановского преследовали тяжелые испытания. В 1868 году он поступил в Императорскую Академию художеств, где показал блестящие результаты. Ряд работ молодого художника получил высокие оценки преподавателей, часть из них была награждена медалями, но бедность и усугублявшаяся в дождливом климате чахотка не позволили ему добиться успеха в столице. В 1875 году Ивану Петровичу пришлось покинуть Петербург и отправиться к себе на родину в Пензу.
В провинции художник не смог обеспечить себе достойное существование, ему приходилось месяцами голодать. Руководство Академии художеств в конце концов оказало помощь своему талантливому ученику, но было уже слишком поздно. Измученный болезнью и нищетой организм не выдержал, и Стефановский угас.
Полная лишений жизнь художника не могла не отразиться на его творчестве. В картине «После ливня» внутренний трагизм и ощущение безысходности достигли своего апогея. Лейтмотив произведения — глубокая скорбь, которая проявляется буквально во всем: и в разбитой дождем дороге, и в тяжело передвигающихся по бездорожью телегах с бедным скарбом и покойником, и в стоящем на краю дороги верстовом кресте-голубце.
Мотив дороги с заполнявшим ее бедным людом был частой темой для художников того времени. Путевые тракты с переселенцами, нищими и бродягами стали символом безысходности и беспросветности жизни. Единственное, что дает зрителю надежду, — это типичный русский пейзаж, прекрасный в любое время года. Чтобы ярче выделить первый план с детально написанными кустами, дорогой, унылыми людьми и грязными телегами, художник изображает вдали небо, где через свинцово-серые тучи робко пробиваются солнечные лучи, озаряющие горизонт.
В своей работе Стефановскому удалось совместить тонкий лиризм саврасовской живописи и острые социальные проблемы, которые ставили передвижники. Эмоциональная окраска картины напоминает работу «Владимирка», созданную другим выдающимся мастером пейзажа, Исааком Ильичом Левитаном. Хотя лейтмотивом обоих полотен выступает дорога, схожесть произведений не столько в композиции, сколько в точно переданном образе русской жизни. Другим объединяющим началом служат выдающиеся живописные достоинства этих картин.
Что же касается точного определения даты создания «После ливня», то здесь отправной точкой может служить полотно «Возвращение рабочих в деревню во время дождя», написанное в 1874 году. Созданные практически в одно и то же время, эти произведения объединены мотивом дождя, любимым художником, что также позволяет предположить, что картина «После ливня» могла быть написана в том же году.
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
«После ливня», (1870)
Холст, масло 80 x 130 см
Художественный музей им. М.В. Нестерова, Уфа
Иван Петрович Стефановский — русский художник-реалист, последователь школы пейзажной живописи, основанной Алексеем Саврасовым. С юных лет художник проявлял большой талант, которому не суждено было развиться в полной мере — тому помешали крайняя бедность и ранняя смерть в возрасте 28 лет из-за тяжелой болезни. Тем не менее живописец оставил после себя серию ярких работ, пронизанных глубоким драматизмом и трагичными переживаниями.
Всю жизнь Стефановского преследовали тяжелые испытания. В 1868 году он поступил в Императорскую Академию художеств, где показал блестящие результаты. Ряд работ молодого художника получил высокие оценки преподавателей, часть из них была награждена медалями, но бедность и усугублявшаяся в дождливом климате чахотка не позволили ему добиться успеха в столице. В 1875 году Ивану Петровичу пришлось покинуть Петербург и отправиться к себе на родину в Пензу.
В провинции художник не смог обеспечить себе достойное существование, ему приходилось месяцами голодать. Руководство Академии художеств в конце концов оказало помощь своему талантливому ученику, но было уже слишком поздно. Измученный болезнью и нищетой организм не выдержал, и Стефановский угас.
Полная лишений жизнь художника не могла не отразиться на его творчестве. В картине «После ливня» внутренний трагизм и ощущение безысходности достигли своего апогея. Лейтмотив произведения — глубокая скорбь, которая проявляется буквально во всем: и в разбитой дождем дороге, и в тяжело передвигающихся по бездорожью телегах с бедным скарбом и покойником, и в стоящем на краю дороги верстовом кресте-голубце.
Мотив дороги с заполнявшим ее бедным людом был частой темой для художников того времени. Путевые тракты с переселенцами, нищими и бродягами стали символом безысходности и беспросветности жизни. Единственное, что дает зрителю надежду, — это типичный русский пейзаж, прекрасный в любое время года. Чтобы ярче выделить первый план с детально написанными кустами, дорогой, унылыми людьми и грязными телегами, художник изображает вдали небо, где через свинцово-серые тучи робко пробиваются солнечные лучи, озаряющие горизонт.
В своей работе Стефановскому удалось совместить тонкий лиризм саврасовской живописи и острые социальные проблемы, которые ставили передвижники. Эмоциональная окраска картины напоминает работу «Владимирка», созданную другим выдающимся мастером пейзажа, Исааком Ильичом Левитаном. Хотя лейтмотивом обоих полотен выступает дорога, схожесть произведений не столько в композиции, сколько в точно переданном образе русской жизни. Другим объединяющим началом служат выдающиеся живописные достоинства этих картин.
Что же касается точного определения даты создания «После ливня», то здесь отправной точкой может служить полотно «Возвращение рабочих в деревню во время дождя», написанное в 1874 году. Созданные практически в одно и то же время, эти произведения объединены мотивом дождя, любимым художником, что также позволяет предположить, что картина «После ливня» могла быть написана в том же году.
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
Лагорио Лев Феликсович
«В море», 1902
Холст, масло 67 х 91 см
Калужский музей изобразительных искусств
Картина «В море» Калужского музея изобразительных искусств относится к позднему периоду творчества Лагорио. Изображен один из его излюбленных мотивов — морской пейзаж с двумя парусными кораблями. Для создания впечатления пасмурной погоды художник использовал холодный колорит — сочетание голубых, серых, синих, сиреневых тонов. С точностью отражены детали мачты корабля. Мягкое колебание волн воссоздано фактурными мазками нескольких оттенков, художнику даже удалось изобразить кильватерную струю — след от идущего корабля.
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
«В море», 1902
Холст, масло 67 х 91 см
Калужский музей изобразительных искусств
Картина «В море» Калужского музея изобразительных искусств относится к позднему периоду творчества Лагорио. Изображен один из его излюбленных мотивов — морской пейзаж с двумя парусными кораблями. Для создания впечатления пасмурной погоды художник использовал холодный колорит — сочетание голубых, серых, синих, сиреневых тонов. С точностью отражены детали мачты корабля. Мягкое колебание волн воссоздано фактурными мазками нескольких оттенков, художнику даже удалось изобразить кильватерную струю — след от идущего корабля.
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
Левитан Исаак Ильич
«Натюрморты с цветами» 🌺
В середине 1890-х годов Исаак Левитан любил писать натюрморты. На его полотнах мы видим скромные букеты полевых цветов (васильки, одуванчики), гроздья сирени, написанные с пронзительной нежностью и теплотой, в них воссоздана словно сама стихия цветения жизни во Вселенной.
Левитановские натюрморты отличаются страстной любовью к жизни, пронзительным переживанием хрупкой красоты природы.
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
«Натюрморты с цветами» 🌺
В середине 1890-х годов Исаак Левитан любил писать натюрморты. На его полотнах мы видим скромные букеты полевых цветов (васильки, одуванчики), гроздья сирени, написанные с пронзительной нежностью и теплотой, в них воссоздана словно сама стихия цветения жизни во Вселенной.
Левитановские натюрморты отличаются страстной любовью к жизни, пронзительным переживанием хрупкой красоты природы.
Читайте также:
Наш канал о зарубежной живописи 👨🏻🎨
Киселёв Александр Александрович
«Дача в Крыму» (1906)
Холст, масло. 58 x 88 см
Краснодарский краевой художественный музей им. Ф.А. Коваленко
Картину «Дача в Крыму» художник написал в 1906 году. Она вошла в серию работ, посвященных тихим и гармоничным уголкам природы. Киселев изобразил дачу в реалистической манере и прописал все мелкие детали: балки крыши, ставни и двери дома, листву растений. Картина написана в светлых тонах и пронизана солнечным светом — это придает ей лиричное настроение, которым художник часто наделял свои пейзажи.
«Дача в Крыму» (1906)
Холст, масло. 58 x 88 см
Краснодарский краевой художественный музей им. Ф.А. Коваленко
Картину «Дача в Крыму» художник написал в 1906 году. Она вошла в серию работ, посвященных тихим и гармоничным уголкам природы. Киселев изобразил дачу в реалистической манере и прописал все мелкие детали: балки крыши, ставни и двери дома, листву растений. Картина написана в светлых тонах и пронизана солнечным светом — это придает ей лиричное настроение, которым художник часто наделял свои пейзажи.
Вениг Карл Богданович
«Кормилица, навещающая своего ребенка» (1860-е)
Картон, масло. 61 x 68 см
Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева
Во второй половине ХIХ века в русской живописи становится особенно популярным бытовой жанр. Предметом изображения жанровой живописи являются повседневная общественная и частная жизнь человека, чувства, возникающие в общении с другими людьми, бытовая обстановка. Воплощая образы и темы, присутствующие в самой жизни, жанровые картины всегда носят конкретно национальный характер, с наибольшей наглядностью характеризуют отношение художника к современной действительности.
Влечение к бытовому жанру не обошло и профессора исторической и портретной живописи К. Б. Венига, хорошо известного в своё время по костюмированным картинам на религиозные и исторические сюжеты. Картина «Кормилица навещает своего больного ребенка» повествует о несчастной судьбе матери, оторванной от собственного ребёнка и должной кормить барского дитятю. Перед нами угол деревенского дома, убогая обстановка которого наглядно демонстрирует зрителю бедственное положение его обитателей. Многочисленные детали, такие как облупившаяся, прокопченная печь, свисающее с чердака сено, развешенные ветхие лохмотья, скудная еда на столе (кусок чёрного хлеба), указывают нам на крайнюю нужду. С той же точностью, любовью и бережностью, с какой художник выписывал детали крестьянского быта, он повествует о красоте и богатстве материального мира представителей привилегированного класса. Тщательно прописаны детали туалета милой маленькой барышни, похожей на куклу.
При доминирующей охристо-коричневой натуральной гамме в обстановке дома и одежде старушки и ребёнка цвет вспыхивает густым синим акцентом сарафана кормилицы. Её наряд шикарен: сарафан сочно-синего цвета с золотым кантом по подолу спадает мягкими складками, как античные одежды, на голове её красно-розовый кокошник с золотой вышивкой. Сама кормилица со скорбным выражением лица театрально, склонившись в красивой позе, вздыхает над младенцем. Прямой классический профиль молодой женщины как будто сошёл с древних антиков.
Живопись, обратившись к сюжетам прозаическим, ставила перед художниками новые задачи разработки иных принципов композиции, цвета. В картине Венига при соблюдении всех формальных признаков нет главного — жизненности. Её и не могло быть, так как у художника не было достаточного знания народной жизни, наблюдений за материалом.
«Кормилица, навещающая своего ребенка» (1860-е)
Картон, масло. 61 x 68 см
Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева
Во второй половине ХIХ века в русской живописи становится особенно популярным бытовой жанр. Предметом изображения жанровой живописи являются повседневная общественная и частная жизнь человека, чувства, возникающие в общении с другими людьми, бытовая обстановка. Воплощая образы и темы, присутствующие в самой жизни, жанровые картины всегда носят конкретно национальный характер, с наибольшей наглядностью характеризуют отношение художника к современной действительности.
Влечение к бытовому жанру не обошло и профессора исторической и портретной живописи К. Б. Венига, хорошо известного в своё время по костюмированным картинам на религиозные и исторические сюжеты. Картина «Кормилица навещает своего больного ребенка» повествует о несчастной судьбе матери, оторванной от собственного ребёнка и должной кормить барского дитятю. Перед нами угол деревенского дома, убогая обстановка которого наглядно демонстрирует зрителю бедственное положение его обитателей. Многочисленные детали, такие как облупившаяся, прокопченная печь, свисающее с чердака сено, развешенные ветхие лохмотья, скудная еда на столе (кусок чёрного хлеба), указывают нам на крайнюю нужду. С той же точностью, любовью и бережностью, с какой художник выписывал детали крестьянского быта, он повествует о красоте и богатстве материального мира представителей привилегированного класса. Тщательно прописаны детали туалета милой маленькой барышни, похожей на куклу.
При доминирующей охристо-коричневой натуральной гамме в обстановке дома и одежде старушки и ребёнка цвет вспыхивает густым синим акцентом сарафана кормилицы. Её наряд шикарен: сарафан сочно-синего цвета с золотым кантом по подолу спадает мягкими складками, как античные одежды, на голове её красно-розовый кокошник с золотой вышивкой. Сама кормилица со скорбным выражением лица театрально, склонившись в красивой позе, вздыхает над младенцем. Прямой классический профиль молодой женщины как будто сошёл с древних антиков.
Живопись, обратившись к сюжетам прозаическим, ставила перед художниками новые задачи разработки иных принципов композиции, цвета. В картине Венига при соблюдении всех формальных признаков нет главного — жизненности. Её и не могло быть, так как у художника не было достаточного знания народной жизни, наблюдений за материалом.
Репин Илья Ефимович
«На меже. В.А.Репина с детьми идет по меже» (1879)
Холст, масло. 61 x 48 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина написана Репиным в пору тесной связи с Абрамцевским художественным кружком, ставшим в 1878-1882 годы неотъемлемой частью жизни живописца. Творческая атмосфера, царившая в уютном подмосковном имении Елизаветы и Саввы Мамонтовых, рисовальные и литературные вечера, совместная работа на пленэре, постановка домашних спектаклей и игра в «живые картины» притягивала к себе друзей Репина: Василия Поленова, Виктора Васнецова, Василия Сурикова и многих других. Впервые приехав погостить у Мамонтовых в 1877 году, художник испытал невероятный творческий подъем. Ежедневная активная, легко продвигающаяся работа над монументальными картинами в сочетании с возможностью отвлечься на небольшие пейзажные этюды словно заряжала энергией, разжигала в Репине с новой силой и без того неуемную художническую страсть. Весной 1879 года Репин стремился вновь вернуться в Абрамцево, где ему так легко и радостно работалось. Дождливое лето изредка баловало погожими днями, усиливая соблазн - не упуская счастливой возможности работать на воздухе. Репин с большим упоением писал абрамцевскую природу и ее окрестности. Зачастую прогулки совершались большой компанией художников, с Мамонтовыми, со своей семьей, или в одиночестве.
«На меже» - словно выхваченный случайно «кадр» счастливой семейной жизни. На фоне золотистого поля идет под кружевным зонтиком 25-летняя жена художника Вера Алексеевна с дочерями Верой и Надей, вдалеке - нянюшка с сыном Юрой на руках. Репину виртуозно удалось поймать сиюминутность происходящего – на картине все исполнено движения, живых ракурсов и будто бы звуков детских голосов. Незатейливость сцены, ее естественность очаровывают простотой и безмятежностью человеческих чувств, столь естественных среди приветливой природы.
В этой работе, исполненной с натуры через несколько лет после возвращения из пенсионерской поездки в Париж (1873-1876), безусловно, сказались памятные Репину впечатления от живописи импрессионистов. Еще в пору пребывания во Франции им создан с оглядкой на французскую новаторскую живопись портрет дочери Веры (1874) и портрет жены, который сам Репин характеризовал: «a la Manet”. Картина «На меже» родственна полотну «Маки» К. Моне (1873, Музей Орсэ, Париж), но вместе с тем репинская работа имеет неподдельный русский «акцент», тяготеющий к принципам реализма. В легком мареве летнего воздуха фигуры сохраняют четкие контуры, не «растворяясь» в пейзаже, написанном почти прозрачным слоем краски.
«На меже. В.А.Репина с детьми идет по меже» (1879)
Холст, масло. 61 x 48 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина написана Репиным в пору тесной связи с Абрамцевским художественным кружком, ставшим в 1878-1882 годы неотъемлемой частью жизни живописца. Творческая атмосфера, царившая в уютном подмосковном имении Елизаветы и Саввы Мамонтовых, рисовальные и литературные вечера, совместная работа на пленэре, постановка домашних спектаклей и игра в «живые картины» притягивала к себе друзей Репина: Василия Поленова, Виктора Васнецова, Василия Сурикова и многих других. Впервые приехав погостить у Мамонтовых в 1877 году, художник испытал невероятный творческий подъем. Ежедневная активная, легко продвигающаяся работа над монументальными картинами в сочетании с возможностью отвлечься на небольшие пейзажные этюды словно заряжала энергией, разжигала в Репине с новой силой и без того неуемную художническую страсть. Весной 1879 года Репин стремился вновь вернуться в Абрамцево, где ему так легко и радостно работалось. Дождливое лето изредка баловало погожими днями, усиливая соблазн - не упуская счастливой возможности работать на воздухе. Репин с большим упоением писал абрамцевскую природу и ее окрестности. Зачастую прогулки совершались большой компанией художников, с Мамонтовыми, со своей семьей, или в одиночестве.
«На меже» - словно выхваченный случайно «кадр» счастливой семейной жизни. На фоне золотистого поля идет под кружевным зонтиком 25-летняя жена художника Вера Алексеевна с дочерями Верой и Надей, вдалеке - нянюшка с сыном Юрой на руках. Репину виртуозно удалось поймать сиюминутность происходящего – на картине все исполнено движения, живых ракурсов и будто бы звуков детских голосов. Незатейливость сцены, ее естественность очаровывают простотой и безмятежностью человеческих чувств, столь естественных среди приветливой природы.
В этой работе, исполненной с натуры через несколько лет после возвращения из пенсионерской поездки в Париж (1873-1876), безусловно, сказались памятные Репину впечатления от живописи импрессионистов. Еще в пору пребывания во Франции им создан с оглядкой на французскую новаторскую живопись портрет дочери Веры (1874) и портрет жены, который сам Репин характеризовал: «a la Manet”. Картина «На меже» родственна полотну «Маки» К. Моне (1873, Музей Орсэ, Париж), но вместе с тем репинская работа имеет неподдельный русский «акцент», тяготеющий к принципам реализма. В легком мареве летнего воздуха фигуры сохраняют четкие контуры, не «растворяясь» в пейзаже, написанном почти прозрачным слоем краски.
Левитан Исаак Ильич
«Дуб», (1880)
Холст, масло 57,5 х 57,6 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина «Дуб» написана Исааком Левитаном во время учебы в Московском училище живописи ваяния и зодчества (1873–1886), где художник занимался в пейзажном классе у Алексея Саврасова (с 1874) и Василия Поленова (с 1882).
Ранние пейзажные работы Левитана отличались тщательностью штудирования натуры, «когда он, – по словам его однокурсника, художника Михаила Нестерова, – работал с огромной энергией, изучая ландшафт в его деталях с мельчайшими подробностями». Пейзаж «Дуб», написанный Левитаном в Останкине, может служить примером такой работы. На нем изображен старый мощный дуб, стоящий на лужайке, покрытой нежной зеленью травы, окруженный еловым молодняком и крупными елями. Пейзаж освещен яркими лучами солнца, играющими на филигранно выполненной листве золотистыми отблесками, оживляющими старый корявый ствол дерева, подчеркивая молодую свежесть травы и заставляя еловые деревья источать нежнейший аромат. Картину отличает композиционная выверенность, цельность колористического решения с точно найденными отношениями зеленых, золотисто-оливковых, коричневато-бежевых и голубых тонов.
Пейзаж наполнен радостным, бодрящим настроением природы в пору ее расцвета в начале лета. Он восхищает глубоким знанием, чувством и пониманием состояния природы, тончайших особенностей ее жизни, способностью художника не только искренне любоваться ее праздничной красотой, но и умением мастерски передать все нюансы. Это умение в полной мере проявилось уже в ранних работах Левитана. Развитие названных качеств в дальнейшем позволит художнику войти в историю русского искусства величайшим мастером так называемого пейзажа настроения, воплощаемого исключительно живописными средствами.
«Дуб», (1880)
Холст, масло 57,5 х 57,6 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина «Дуб» написана Исааком Левитаном во время учебы в Московском училище живописи ваяния и зодчества (1873–1886), где художник занимался в пейзажном классе у Алексея Саврасова (с 1874) и Василия Поленова (с 1882).
Ранние пейзажные работы Левитана отличались тщательностью штудирования натуры, «когда он, – по словам его однокурсника, художника Михаила Нестерова, – работал с огромной энергией, изучая ландшафт в его деталях с мельчайшими подробностями». Пейзаж «Дуб», написанный Левитаном в Останкине, может служить примером такой работы. На нем изображен старый мощный дуб, стоящий на лужайке, покрытой нежной зеленью травы, окруженный еловым молодняком и крупными елями. Пейзаж освещен яркими лучами солнца, играющими на филигранно выполненной листве золотистыми отблесками, оживляющими старый корявый ствол дерева, подчеркивая молодую свежесть травы и заставляя еловые деревья источать нежнейший аромат. Картину отличает композиционная выверенность, цельность колористического решения с точно найденными отношениями зеленых, золотисто-оливковых, коричневато-бежевых и голубых тонов.
Пейзаж наполнен радостным, бодрящим настроением природы в пору ее расцвета в начале лета. Он восхищает глубоким знанием, чувством и пониманием состояния природы, тончайших особенностей ее жизни, способностью художника не только искренне любоваться ее праздничной красотой, но и умением мастерски передать все нюансы. Это умение в полной мере проявилось уже в ранних работах Левитана. Развитие названных качеств в дальнейшем позволит художнику войти в историю русского искусства величайшим мастером так называемого пейзажа настроения, воплощаемого исключительно живописными средствами.
HTML Embed Code: